Janis Joplin tenía una voz poderosa y autoritaria. Foto AP
Janis Joplin murió hace 50 años el 4 de octubre de 1970, con solo 27 años, pero sus canciones van más allá del tiempo. Su influencia y popularidad perdurables se pueden atribuir a sus actuaciones crudas, sin adulterar y sin miedo.
Respondemos a vocalistas que pueden expresar emociones como dolor, angustia y liberación. Joplin nos dio todo eso con creces, entregado con una voz rasposa poderosa y desinhibida.
Influenciada por artistas como Bessie Smith, Otis Redding, Billie Holiday, Ray Charles, Tina Turner y Aretha Franklin, dominaba el estilo, la fraseología y la melodía del blues. Ella fue incluida en el Rock and Roll Hall de la Fama en 1995 y votado en el número 28 en la revista Rolling Stone los mejores cantantes de todos los tiempos en el 2008.
Pero cuando escuchamos a un vocalista como Joplin, que despierta algo profundamente en nosotros, ¿qué está sucediendo realmente?
Al mando de su voz
La orígenes de la música tienen sus raíces en la expresión emocional de la voz humana. Se ha demostrado que las interpretaciones musicales expresivas activar los centros emocionales de nuestro cerebro.
Joplin tenía una voz poderosa y autoritaria. En sus presentaciones en vivo, estaba concentrada y desinhibida, mostrando una amplia paleta de timbres vocales distintivos junto con un vibrato rápido. Con su rango de tres octavas, usó gruñidos ásperos, lamentos y gritos para expresar emociones crudas.
El canto de rock a menudo usa una voz de pecho rica, que requiere gran físico y energía. Los cantantes de blues y rock también pueden incorporar una cualidad restringida en sus voces: tensar la laringe y manipular la presión del aire con la que cantan.
La voz de Joplin ha sido descrito como usar una distorsión y un borde, una mezcla de ruido y tono.
Esto quizás se demuestra mejor en su canción de 1968 Pedazo de mi corazón. Este sonido constreñido transmite directamente intensidad; es muy emocionante pero también crea tensión. Esta constricción llega a un clímax en la línea “sabes que lo tienes”: improvisa sobre la melodía, cambia el fraseo para incluir licks de blues y luego grita antes del último estribillo.
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Este uso de la constricción en el canto conlleva una variedad de desafíos y riesgos importantes que afectan el control de los cantantes. Pero el público está encantado con la toma de riesgos de los artistas de alto nivel. Aquí, la técnica de Joplin está al servicio de la comunicación de emociones, a la vez emocionante y devastadora.
La más profunda de las emociones
En la actuación, Joplin era a la vez vulnerable y valiente, anhelando liberarse, superando los límites y dispuesta a revelar su yo auténtico. Ella no se disculpó.
Mientras Joplin no cantaba las canciones de protesta de sus contemporáneos como Bob Dylan y Phil Ochs, una sensación de protesta se refleja en su expresión, su elección de repertorio y la forma en que se negó a cantar con una voz “bonita” aceptada por las mujeres en ese momento.
Como su biógrafa Alice Echols dijo:
Janis, en cierto sentido, fue la gran cantante de protesta no reconocida de la década de 1960. No, Janis no cantaba canciones de protesta explícitas. Pero en su voz, lo que la gente escuchó fue a alguien que estaba rechazando el status quo.
El último trabajo grabado de Joplin, publicado póstumamente como Perla, demuestra la evolución en curso en su uso vocal. Su voz ha experimentado un refinamiento, aún con momentos atrevidos y crudos, aquí está más controlada, sin pérdida de expresión.
La apertura de Cry Baby presenta a Joplin cantando dos notas a la vez en un tono restringido, luego cantando el coro en voz alta. Luego reduce el volumen y explica suavemente su traición en los versos.
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Hay claras influencias en el uso de llamadas y respuestas de la música gospel, y en particular en la grabación original y los estilos vocales de Granate Mimms.
Este refinamiento también es visible en una de sus últimas actuaciones filmadas. En Este es Tom Jones en 1969, transformó el conmovedor estándar del jazz Little Girl Blue en una epopeya de rhythm and blues.
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Es edificante comparar su interpretación con las interpretaciones de la misma canción de algunas de sus influencias, Nina Simone y Nancy Wilson. Entrega de Simone en el piano y la voz son expresivamente delicados y resaltan una maestría musical refinada con sutiles adornos de la melodía. Versión de Wilson presenta precisión rítmica junto con una exuberante orquestación.
En contraste, el enfoque de Joplin presenta un cambio de ritmo y tempo a lo largo de la canción, extendiendo regularmente frases y cantando notas prolongadas altamente ornamentadas con llamadas de anhelo y giros vocales, giros y colores de tono.
Joplin se destaca como un vocalista de gran influencia. Estaba dispuesta a expresar las emociones humanas más profundas, emociones que no se permiten ni se expresan fácilmente en la sociedad occidental. Ella le brindó a su audiencia una comprensión indirecta de sus emociones, una comprensión que todavía resuena hoy.
Sobre la autora
Leigh Carriage, profesora titular de música, Universidad de Southern Cross
Este artículo se republica de La conversación bajo una licencia Creative Commons. Leer el articulo original.
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