En la época de Bach, el órgano de tubos era uno de los instrumentos tecnológicamente más avanzados del mundo. Stefano Bianchetti/Corbis vía Getty Images
Imagínese una gran casa en una colina, al anochecer en una noche de otoño. Cuando se abre la puerta, un órgano atraviesa el denso silencio y resuena en los cavernosos pasillos.
La melodía que a muchos les viene a la cabeza será la de Johann Sebastian Bach Tocata y fuga en re menor, BWV 565, obra para órgano compuesta a principios del siglo XVIII. Hoy en día, la mayoría de la gente lo reconoce como un ícono sonoro de cierto tipo de miedo: inquietante y arcaico, el tipo de cosa que probablemente sea fabricada por alguien (un fantasma, tal vez) vestido con esmoquin y acechando en una mansión abandonada.
Bach no podría haber pensado que su pieza para órgano de casi nueve minutos de duración se asociaría tan fuertemente con casas encantadas y maquinaciones siniestras. Como musicólogo cuya investigación actual se centra en la representación musical del misterio, veo la historia de esta canción como un ejemplo clásico de cómo el significado, el uso y el propósito de la música pueden cambiar con el tiempo.
30 segundos de puro suspenso
Bach era un artesano musical técnicamente hábil y un estudioso de la composición. En su trabajo, buscaba servir diligentemente a su empleador, ya fuera una iglesia luterana, una corte real o un ayuntamiento. No era como los compositores famosos de épocas posteriores. Mozart, Haydn, Liszt – quienes usaron sus talentos para construir fama y aumentar su influencia.
Como dijo el estudioso de Bach Christoph Wolff ha señalado, Tocata y Fuga pertenece al repertorio de piezas virtuosas que Bach creó para exhibir su propia destreza como organista.
Para Bach, que no dejó documentos relacionados con esta pieza, la obra habría sido meramente funcional, una forma de mostrar las habilidades del órgano y hacer un buen uso de su talento, no indicativa de emociones, historias u otras ideas.
La música de la Toccata y fuga de Bach debe gran parte de su terror al dramatismo que emplea: armónicamente, está ambientada en un modo menor sombrío que generalmente está alineado con emociones más negativas como tristeza, nostalgia, pérdida y desesperación.
Dentro de este modo menor, se desata un sorprendente contorno melódico. El primer tono de la pieza es el quinto grado de la escala en lugar del primer tono de la escala. La nota inesperada genera incertidumbre. Luego hay un rápido descenso por la escala de re menor después del adorno parpadeante inicial.
Si a esto le sumamos el fondo silencioso y las pausas significativas entre frases musicales, los primeros 30 segundos son puro suspenso. Sigue una textura muy contrastante, con muchas notas apiladas unas sobre otras, que introduce choques sónicos y una rica armonía que se llena de poder.
La pieza avanza rápidamente después de este deslumbrante comienzo, siguiendo implacablemente un patrón de figuras solistas intercaladas con acordes masivos y contundentes.
El efecto inquietante del órgano
Los sonidos del órgano de tubos realzan aún más el sonido espeluznante de la pieza.
Durante la época barroca (aproximadamente entre 1600 y 1750) el órgano alcanzó la cima de su popularidad. En ese momento, era uno de los instrumentos tecnológicamente más avanzados de la humanidad, y los músicos interpretaban habitualmente música de órgano durante los servicios religiosos y en los conciertos celebrados en las iglesias.
Pero como dice el musicólogo Edmond Johnson ha explicado, muchos instrumentos preferidos en la época barroca, como el órgano y el clavicémbalo, habían pasado de moda en el siglo XIX, escondidos en almacenes donde acumulaban polvo.
Cuando los historiadores de la música y los revivalistas de la música antigua sacaron por primera vez estos instrumentos para presentaciones públicas después de más de un siglo almacenados, los ahora desconocidos instrumentos sonaban arcaicos y chirriantes para el público.
La musicóloga Carolyn Abbate ha argumentado que la música puede ser “pegajosa” y adquirir nuevos significados a medida que los contextos cambian y pasa el tiempo. Puedes ver esto en la forma El famoso “Ave María” de Schubert – originalmente escrito como acompañamiento de las palabras del poema de Walter Scott “Lady of the Lake” – se asoció con la música devocional católica. o el camino “El Cascanueces” de Tchaikovsky Pasó de ser un ballet neorromántico subestimado en la Rusia del siglo XIX a una popular tradición navideña anual en los EE. UU.
Una canción que se quedó
Entonces, ¿cómo se asoció la pieza con Halloween?
Una película histórica probablemente contribuyó a la impresión de que la Tocata y fuga de Bach presagia algo nefasto: la 1931 liberación de la “Dra. Jekyll y el señor Hyde”. La famosa adaptación de Rouben Mamoulian de novela de robert louis stevenson utiliza la Toccata de Bach en los créditos iniciales. Los créditos iniciales de 'Dr. Jekyll y el señor Hyde' (1931).
La pieza establece un tono de suspenso y sugiere las profundidades del mal que el Dr. Jekyll encontrará en sus experimentos. En la película, el Dr. Jekyll es retratado como un organista aficionado que disfruta tocar la música de Bach, por lo que es fácil para el oyente aplicar la naturaleza dramática, llena de suspenso y compleja de la Toccata al Dr. Jekyll y su alter ego.
Desde entonces, la música también se ha utilizado en otras películas y videojuegos de terror, entre ellos "El Gato Negro”(1934) y el “castillo oscuro” serie de videojuegos.
Aunque el propio Bach no habría pensado que Toccata y Fuga en re menor fueran espeluznantes, sus orígenes como una pieza de concierto inofensiva no evitarán que envíe un escalofrío a la gente cada Halloween.
Megan Sarno, Profesor Asistente de Música, Universidad de Texas en Arlington
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